De ‘Breathless’ a ‘La Strada’: 10 películas clásicas de Hidden Gem en HBO Max

Las plataformas de transmisión en constante multiplicación han traído consigo una confusa maraña de problemas de derechos para innumerables películas y programas. El seguimiento de lo que se está transmitiendo y lo que no en un momento dado puede ser una tarea abrumadora. Con los estudios retirando los derechos de sus propiedades más famosas para lanzar sus propias plataformas de transmisión únicas, los medios como Hulu y Netflix están priorizando su contenido original premium más que nunca. Los puntos de venta como Criterion Channel se adaptan específicamente a los clásicos desconocidos, pero estos pueden ser un poco más difíciles de encontrar en plataformas más convencionales. HBO Max tiene la biblioteca profunda de Warner Bros. para aprovechar, pero también tiene mucho más que ofrecer. Algunas de las mejores películas jamás realizadas están disponibles para transmitir al alcance de su mano, si sabe dónde buscar.

Con ese fin, aquí hay diez películas clásicas ahora disponibles en HBO Max.

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A través de un cristal en la oscuridad (1961)


A través de un vidrio en la oscuridad 1961
Image Via Janus Films

El primero de muchos de los autores suecos Ingmar Bergmanlas películas que se desarrollarán en la isla de Fårö, A través de un vidrio oscuro sigue a la esquizofrénica Karin (Harriet Andersson) y su relación con su familia. En el transcurso de veinticuatro horas, Karin llega a casa con su esposo médico, Martin (Max Von Sydow), quien le da a su padre, David (Gunnar Björnstrand), un pronóstico sombrío de su condición. Mientras tanto, Karin se fija en su hermano menor, hasta el punto de burlarse de él y luego seducirlo.

Bergman Fresas silvestres, Persona, y El séptimo sello son más famosos, pero esta es una joya subestimada. Íntimo y perturbador, A través de un vidrio oscuro examina la naturaleza de la percepción y el apego, y termina con una nota esperanzadora que Bergman no solía permitir.

Solaris (1972)


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Image Via Fox Lorber

Steven Soderbergh rehacer Solaris en 2002 con George Clooney, pero la atmósfera de ensueño del genio ruso Andrei TarkovskyEl original no se puede reproducir. El psiquiatra Kris Kelvin viaja a una estación espacial que orbita el remoto planeta Solaris, que parece estar respondiendo a las sondas de la estación con algunas propias. La esposa muerta de Kelvin aparece como un duplicado inteligente, sin solo sus recuerdos.

El remake de Soderbergh simplifica la historia pero ignora el estilo deliberadamente lento y meditativo de Tarkovsky. En el remake faltan muchas historias de fondo y tramas laterales, y con ellas, la textura extra que hace que el original Solaris tan inmersivo. Tarkovsky diseñó sus películas como experiencias que están destinadas a sacar al espectador de la corriente de sus vidas y reducir la velocidad lo suficiente como para interiorizar la historia que tiene delante. Ambas versiones de Solaris Examinamos los efectos del duelo, pero el original se hunde mucho más lento, tomándose su tiempo, reflejando la forma en que emociones tan pesadas y complejas nos afectan en nuestra vida diaria.

Ikiru (1952)


Ikiru-1962
Image Via Toho

El maestro japonés Akira Kurosawa es famoso por epopeyas como Corrió, Los siete samuráis, y Rashomon, pero Ikiru (“vivir”) es un tipo de película muy diferente. Ikiru se centra en el Sr. Watanabe, quien ha sido un burócrata en el Ayuntamiento de Tokio durante los últimos treinta años. Apenas ha vivido una vida, pero cuando se entera de que tiene cáncer, finalmente se siente inspirado a tener las experiencias de vida que ha pasado años evitando.

IkiruLo que está en juego es intensamente personal. Después de una serie de desventuras, el Sr. Watanabe se entera de que un grupo de ciudadanos sigue teniendo problemas burocráticos mientras simplemente intentan sellar un pozo negro de aguas residuales y construir un parque infantil. El Sr. Watanabe asume esta misión. Esto es solo un resumen de la trama y no puede replicar la profunda experiencia de ver a un hombre despertarse de un largo sueño despierto para mirar y llegar a adorar la vida que lo rodea.

Sin aliento (1960)


Película sin aliento Jean-Seberg
Image Via New Cinematography Company

La famosa cita “todo lo que necesitas para hacer una película es una niña y un arma” se atribuye popularmente al cineasta francés New Wave. Jean-Luc Godard, pero insistió en que la frase no era suya. Todavía se quedó, convirtiéndose en una abreviatura tanto de lo que pueden ofrecer las películas como de lo que espera el público. Godard cumple y destruye simultáneamente estas expectativas con Jadeante.

Un capullo de poca monta errante llamado Michel (Jean-Paul Belmondo) se estiliza a sí mismo después de Humphrey Bogart. Después de robar un automóvil y luego dispararle a un oficial de policía, se da a la fuga y finalmente se conecta con una estudiante estadounidense, Patricia (Jean Seberg). Godard nunca intenta ocultar o mejorar la trama genérica, en cambio, usa técnicas como cortes de salto y romper la cuarta pared para desafiar a la audiencia. Cuando Michel habla directamente a la cámara, de repente convierte al espectador en cómplice de sus crímenes sin rumbo. ¿Godard nos pregunta por qué estamos mirando?

Dispara al pianista (1960)


Disparar-al-pianista-1960
Image Via Les Films du Carrosse

Francois Truffaut seguido de su debut clásico instantáneo, Los 400 golpes, con esta película de gángsters de 1960. Lanza todo lo que ama de las imágenes de género estadounidense en Dispara al pianista: melodrama criminal, payasadas, canciones musicales y referencias a directores como Nicholas Ray (Rebelde sin causa) y Samuel Fuller (El gran rojo).

Los fusiona con técnicas de la Nueva Ola francesa como cortes de salto y voces en off extendidas casi autoconscientes. La trama (tal como es) sigue a Charlie, un pianista decadente que huye de su trágico pasado. Truffaut se preocupó principalmente por crear una serie de escenas entretenidas que, en términos de estilo, marcan un giro de 180 grados del realismo descarnado de Los 400 golpes. Me gusta Martin Scorsese (un gran admirador del francés), Truffaut abraza el artificio del cine, encuentra poder y una seriedad irónica incluso cuando les recuerda a los espectadores que estamos viendo una película.

La bella del día (1967)


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Image Via Valoria

Dirigido por Luis Buñuel, Belle del día estrellas Catherine Deneuve como Severine, una ama de casa sexualmente reprimida que habitualmente se refugia en elaboradas fantasías para lidiar con su infructuoso matrimonio. Cuando comienza a vivir una doble vida como prostituta de clase alta, es capaz de satisfacer sus apetitos sexuales. Como la Belle de Jour (“mujer del día”) del burdel de lujo dirigido por la exigente Madame Anais (Genevieve Page), La desconexión de Severine entre su vida de fantasía y su vida hogareña parece recuperarse lentamente.

La violencia estalla cuando ambas vidas chocan y el final ambiguo deja a la audiencia cuestionando qué era real y qué no lo era. No sería una película de Buñuel sin un toque surrealista, pero Belle del díaEl final desafía a la audiencia a repensar sus propias relaciones soñando despierto: ¿Puedes decir dónde termina la vida y comienza un sueño despierto?

El camino (1954)


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Image Via Paramount Pictures

Antes Federico Fellini‘s 8 1/2 lo convirtió en una leyenda, El camino simplemente lo enalteció como un maestro director italiano. Hombre fuerte del circo ambulante, Zampanó (Anthony Quinn), compra la aparentemente ingenua Gelsomina (Giulietta Masina) de su madre empobrecida, y ella se une a él en su acto. Un bruto abusivo, Zampanó arrastra a Gelsomina por la campiña italiana, encontrando público donde quiera que vaya. Él es el peor tipo de jefe, pero ella es demasiado dulce o demasiado simple para vagar por mucho tiempo.

Con su estructura episódica, El camino inspiró un subgénero particular de road movies episódicas. Al final, Zampanó y Gelsomina han formado un vínculo que no se puede reconocer ni comprender por completo. El término “Felliniesque” se refiere a este tipo de trágica falta de conciencia de sí mismos en sus personajes: rechazan lo que podrían tener en otra persona en busca de algo inalcanzable en el mundo más amplio que no pueden articular.

Orfeo (1950)


Orfeo-1950
Image Via DisCina

“Una leyenda tiene derecho a estar más allá del tiempo y el espacio. Interpretela como quiera …” Escrita y dirigida por el poeta francés, Jean Cocteau (amigo y colaborador de compañeros surrealistas Salvador Dalí and Luis Buñuel), Orfeo trasplanta el mito griego al París de los años 50. Un poeta llamado Orphée (Jean Marais) gana un pasaje al inframundo, donde inesperadamente termina en un extraño triángulo amoroso (o tal vez incluso en un cuadrilátero) entre él y su esposa Eurídice (Marie Déa), y la princesa (María Casare), que se revela a sí misma como la Muerte.

Cocteau fue también músico, novelista, dramaturgo y artista visual, cuya versión de 1946, altamente imaginativa La bella y la Bestia sigue siendo una de las versiones más influyentes del cuento de hadas. Su Orfeo presenta efectos simples y convincentes para rastrear los viajes de Orphée al inframundo mientras la película explora el antiguo dilema de lo que un artista sacrificará para ver su trabajo completamente realizado.

Narciso negro (1947)


Narciso negro-1947
Imagen a través de distribuidores de películas generales

El equipo directivo de Michael Powell y Emeric Pressburger Hizo algunas de las mejores películas de todos los tiempos y estuvieron en la cima de sus poderes con la década de 1947. Narciso negro. Un grupo de monjas dirigido por la hermana Clodagh (Deborah Kerr) montaron un convento en lo alto del Himalaya, pero se vieron tentados por la presencia del apuesto Sr. Dean, el agente inglés del general que controlaba el territorio.

Narciso negro se acumula lentamente en un poderoso examen del deseo, la tentación y la pérdida. El público moderno se opondrá legítimamente a los cástings encubiertos, como Jean Simmons como la niña india, Kanchi. Esta fue la norma durante esta época, desafortunadamente. Aún así, las actuaciones se destacan, especialmente Kerr como Clodagh, el más duro de lo que parece, al igual que Jack CardiffLa cinematografía vibrante y ganadora del Oscar.

El samurái (1967)


El-samurái-1967
Image Via Artists International

Estrella francesa Alain Delon interpreta a Jef Costello, un asesino a sueldo. Con su sombrero de fieltro y su gabardina, con su pistola y su cigarrillo, es cada centímetro del clásico antihéroe del cine negro. Director Jean-Pierre Melville sigue a Costello mientras crea una coartada antes de matar al dueño de un club nocturno, luego pasa a través de una fila de la policía solo para ser traicionado por sus jefes. La trama de el samurái se ensambla a partir de cualquier cantidad de imágenes de género, pero Melville examina la vida de Costello con el tipo de detalle frío e indiferente que puede encontrar en un David Cronenberg película.

El título en sí hace referencia a un “Libro de Bushido” ficticio, una colección de códigos samuráis que Melville inventó para la película. Como Truffaut o Godard, Melville examina uno de los géneros cinematográficos más estadounidenses a través de una lente casi impresionista. Como Costello, Delon rara vez revela muchas emociones, incluso frente a eventos que amenazan la vida. El samurái se convierte en algo más que una olla de suspenso criminal, ya que examina una vida de soledad y peligro.


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